Jackson Pollock

Paul Jackson Pollock (28 de enero de 1912, Cody, Wyoming, Estados Unidos - 11 de agosto de 1956, Springs, Nueva York, Estados Unidos) fue un influyente artista estadounidense y un referente en el movimiento del expresionismo abstracto. Considerado uno de los pintores más importantes de los Estados Unidos en el siglo XX.

Biografía

Después de vivir su infancia y adolescencia en Cody, se mudó en 1929 a Nueva York, donde estudió en la Art Students League con el pintor Thomas Hart Benton.

Su trabajo, al ser ampliamente reseñado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), empezó a ser relacionado con el surrealismo. Los críticos1 del momento, tuvieron que empezar a relacionar su obra de una u otra manera con el «automatismo», en una escritura automática que pretende reflejar los fenómenos psíquicos que tienen lugar en el interior del artista. Entre 1935 y 1943 trabajó para la WPA y pintó bajo la influencia de Picasso, el surrealismo y el psicoanálisis jungiano que usó como terapia contra su alcoholismo. En 1936 tuvo ocasión de trabajar en el taller experimental del muralista David Alfaro Siqueiros, usando pintura con bomba de aire y con aerógrafo, así como pigmentos sintéticos industriales. Desde 1938 hasta 1942 trabajó para el Federal Art Project (Proyecto de Arte Federal). Pero en el caso de Pollock, hubo otras fuentes de inspiración añadidas. Así, la cultura de los indios de Norteamérica, con sus formas simbólicas y sus pinturas de arena. Esto le llevó también a probar otros materiales, como el barniz, el aluminio o los esmaltes sintéticos.

El pintor se casó con la pintora Lee Krasner en 1945, la cual le brindó todo su apoyo siempre, a pesar de las adversidades, y de los múltiples vicios de Pollock.

De su corta vida, se dice que los únicos años destacables fueron aquellos en que logró controlar su alcoholismo, es decir, el período 1949-1950. Peggy Guggenheim fue su mecenas, quien le entregaba una mensualidad.

Durante la década de los años 1950 Pollock recibió apoyo de la CIA por medio del Congress for Cultural Freedom (CCF, Congreso para la Libertad Cultural).

La carrera de Pollock se vio súbitamente interrumpida cuando falleció en un accidente de coche en 1956.

La técnica

Jackson Pollock se caracteriza en su dimensión artística, entre otras cosas, por ser uno de los renovadores del concepto de la plasmación gráfica a través de una serie de técnicas de tratamiento de la pintura no experimentadas hasta entonces, y la teorización fundamentada y racional que conlleva la explicación del desarrollo de la abstracción en la realización de sus trabajos. Toda esta dimensión creada por Pollock fue la precursora del nacimiento del Expresionismo Abstracto como rama artística de gran peso entre la década de los 40 y 60. En esa época también conoce el celebre pintor mexicano David Alfaro Siqueiros de quien aprende mucho por sus nuevas técnicas para pintar y después de esa época siendo una de las vanguardias contemporáneas con uno de los grandes trasfondos teóricos existente en este tiempo. La creación de este estilo se daba porque la acción de pintar se producía de una forma subconsciente en sí mismo, trabajando de una forma autómata, que será lo que se denominará automatismo. Buscaba la representación dramática e irrefrenable del subconsciente. Todo esto estaba condicionado por la búsqueda de levantar emociones sobre el público expectantes, por lo que ante los nuevos acontecimientos sociales producidos en el siglo XX que no podrían ser representados a modo tradicional, realista; ya que conducía una serie de sentimientos tan radicales y desconocidos. Para ello debían surgir nuevas técnicas y maneras de tratar la pintura y el concepto artístico. Esto es lo que finalmente se dará a conocer como “Action painting”.

Como puntos a tener en cuenta de su trayectoria artística desde la visión plástica y física de la realización de la obra es la creación novedosa del término mencionado antes llamado “Action painting” , que consistía en posicionar el lienzo (siempre de grandes dimensiones) a ras del suelo y utilizar los pinceles de forma rígida, contundente y con movimientos rápidos, bruscos y autómatas. Busca el desplazamiento del propio artista alrededor del lienzo para sincronizar ese movimiento. Esto es la clave que representa el carácter marcado de su obra, que está impregnada de movilidad y un caos con un cierto orden en sí mismo. De esta gran concepción de la pintura se desata otra de las técnicas creadas por este gran genio; el “dripping”. Esto consiste en la utilización de la pintura con toda su propia vitalidad y dinamismo puro, usaba los botes de pintura con una perforación en su parte inferior para que la pintura se aplicara sobre el lienzo goteando, con movimientos bruscos y de dirección cambiante. También se lanzaba la pintura contra el lienzo y el uso de aerosoles. Solía ser siempre pintura acrílica con la que trabajaría sus obras. Otro de los grandes términos que marcaran su trabajo artístico es el “all-over” que consiste en no dejar espacio alguno sin cubrir, buscando crear una atmósfera completa y sin limitaciones de marcos. A causa de esta forma de pintar, Pollock fue apodado «Jack the Dripper» , juego de palabras con «Jack the Ripper» o «Jack el Destripador», y «Dripper» o «goteador» y que podría traducirse como «Jack el Goteador». Pollock comenzó a usar esta técnica en el año 1947, año en el que precisamente participó en la última exposición en la galería Art of this Century.

Como punto final para poder comprender la dimensión psicológica del autor ante la creación de la obra y la explicación de los términos anteriores, el siguiente testimonio del propio Pollock consigue aclararnos esta dimensión:

Mi pintura no procede del caballete. Por lo general, apenas tenso la tela antes de empezar, y, en su lugar, prefiero colocarla directamente en la pared o encima del suelo. Necesito la resistencia de una superficie dura. En el suelo es donde me siento más cómodo, más cercano a la pintura, y con mayor capacidad para participar en ella, ya que puedo caminar alrededor de la tela, trabajar desde cualquiera de sus cuatro lados e introducirme literalmente dentro del cuadro. Se trata de un método similar al de los pintores de arena de los pueblos indios del oeste. Por eso, intento mantenerme al margen de los instrumentos tradicionales, como el caballete, la paleta y los pinceles. Prefiero los palos, las espátulas y la pintura fluida que gotea y se escurre, e incluso un empaste espeso a base de arena, vidrio molido u otros materiales inusuales adicionados. Cuando estoy en la pintura no me doy cuenta de lo que estoy haciendo. Sólo después de una especie de período «de acostumbramiento» ver, en lo que he estado. No tengo miedo de hacer cambios, destruir la imagen, etc., pues la pintura tiene una vida en sí misma. Trato de que ésta surja. Sólo cuando pierdo el contacto con la pintura, el resultado es una confusión. Si no, es pura armonía, un fácil dar y tomar y la pintura sale muy bien.

De esta manera, lo que Pollock plasma en la tela «no era una imagen, sino un hecho, una acción».

Listado de Obras

• (1942) Male and Female Philadelphia Museum of Art
• (1942) Stenographic Figure Museum of Modern Art
• (1943) Mural University of Iowa Museum of Art.
• (1943) Moon-Woman Cuts the Circle
• (1943) The She-Wolf Museum of Modern Art, New York
• (1943) Blue (Moby Dick) Ohara Museum of Art
• (1945) Troubled Queen Museum of Fine Arts, Boston
• (1946) Eyes in the Heat Peggy Guggenheim Collection, Venice
• (1946) The KeyThe Sounds In The Grass Museum of Modern Art.
• (1947) Portrait of H.M. University of Iowa Museum of Art.
• (1947) Full Fathom Five Museum of Modern Art
• (1947) Cathedral
• (1947) Enchanted Forest, Peggy Guggenheim Collection
• (1947) Lucifer, San Francisco Museum of Modern Art
• (1948) Painting
• (1948) Number 5 (4 ft x 8 ft) Private collection
• (1948) Number 8
• (1948) Composition (White, Black, Blue and Red on White) New Orleans Museum of Art
• (1948) Summertime: Number 9A Tate Modern
• (1949) Number 1 Museum of Contemporary Art, Los Angeles
• (1949) Number 3
• (1949) Number 10 Museum of Fine Arts, Boston
• (1950) Number 1, 1950 (Lavender Mist) National Gallery of Art
• (1950) Mural on indian red ground, 1950 Tehran's Museum of Contemporary Art (TMOCA)
• (1950) Number 29, 1950 National Gallery of Canada
• (1950) One: Number 31, 1950 Museum of Modern Art
• (1950) No. 32
• (1951) Number 7 National Gallery of Art
• (1951) Black& White
• (1951) Marrón y plata I , Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
• (1952) Convergence Albright-Knox Art Gallery
• (1952) Blue Poles: No. 11, 1952 National Gallery of Australia
• (1953) Portrait and a Dream Dallas Museum of Art
• (1953) Easter and the Totem The Museum of Modern Art
• (1953) Ocean Greyness, Museo Salomon R. Guggenheim, Nueva York
• (1953) The Deep, Musée National d'Art Modern, París.

Bibliografía

• A A.V V.(1990). El arte del siglo xx - 1950-1990. Barcelona, Salvat.
• Cirlot, L., (1983). La pintura informal en Cataluña 1951-1970, Anthropos in Bacerlona.
• Collins, J., (1990). Técnicas de los artistas modernos, H. Blume.
• Durozoi, G., (1997). Diccionario de arte del siglo XX, Madrid, Akal Editorial.
• Emmerling, L., (2003). Pollock, Taschen, New York.
• Maderuelo, J.,(2008). La idea de espacio en la arquitectura y el arte contemporáneo 1960-1989, Madrid, Akal Editorial.
• Martínez, A. (2003). De la pincelada de Monet al gesto de Pollock, Universidad Politécnica de Valencia, Valencia.
• Lambert, R., (1981). El siglo XX, Universidad de Cambrige, Cambridge.

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